Réalités impossibles : Art et simulation avec Erik Nieminen

Erik Nieminen peint des réalités impossibles et manipule le familier dans des paysages abstraits surréalistes. Erik est issu d'une famille d'artistes, la créativité a donc toujours fait partie intégrante de sa vie. Erik a grandi à Ottawa, mais il a vécu à Berlin et à Montréal, s'inspirant du riche paysage culturel de ces deux villes.

Dans ses œuvres, Erik désassemble et réassemble la réalité sur la toile, combinant des scènes familières avec des lentilles déformées de l'abstraction. Les œuvres d'Erik abordent la dichotomie entre les espaces urbains et les environnements naturels artificiels tels que les biodômes, illustrant la lutte entre le passé et l'avenir, l'organique et l'artificiel, la simulation et la réalité. Dans ses œuvres qui combinent réalisme vif et surréalisme vertigineux, Erik défie les attentes du spectateur et attire l'attention sur le processus complexe et désordonné de "création" de la réalité dans le monde moderne.

Pouvez-vous me parler un peu de votre parcours d'artiste et de la manière dont vous avez commencé à vous intéresser à l'art de manière professionnelle ?

J'ai subi un lavage de cerveau très tôt, pour ainsi dire. Mon père est un artiste, tout comme mon oncle. Il y a d'autres artistes dans la famille depuis quelques générations. Lorsque j'ai grandi à Ottawa, nous nous rendions chaque semaine au Musée des beaux-arts. En réalité, je ne considérais pas le métier d'artiste comme un choix de carrière exotique et, d'ailleurs, je ne le considérais même pas comme une "carrière" traditionnelle en soi. Cela faisait tout simplement partie de la vie.

Par ailleurs, j'ai obtenu un baccalauréat en beaux-arts à l'Université d'Ottawa et une maîtrise en beaux-arts à l'Université Concordia. Ce qui est curieux avec les écoles d'art universitaires, c'est qu'elles n'enseignent pas comment devenir un artiste, ni même beaucoup de compétences. Elles servent principalement de mécanisme pour élargir vos horizons (tout en vous donnant un vernis de crédibilité).

Vos œuvres d'art jouent avec les distorsions de la réalité et de la lumière. Qu'est-ce qui vous a attiré vers ces concepts ?

Dès mon plus jeune âge, j'ai aimé la peinture moderniste - cubisme, futurisme... des choses comme ça. Ces peintres étaient fascinés par la manière dont on pouvait représenter le temps, l'espace et la mémoire en deux dimensions, en démontant des éléments de notre réalité et en les réassemblant de manière semi-abstraite sur la toile. Nous pouvons considérer le reflet de la même manière, comme quelque chose qui combine plusieurs moments dans le temps, en fonction de la surface réfléchissante (généralement du verre ou de l'eau, dans mon cas). C'est un phénomène éphémère, rationnellement glissant, qui nous permet de voir au-delà de nous-mêmes, de tordre et de manipuler notre vision du réel.

Un reflet peut sembler défier nos attentes, créant un espace apparemment sans gravité, ce qui est également l'une des fonctions de la peinture. En fin de compte, je combine mes expériences avec mes pensées, me donnant la liberté de suggérer quelque chose de conventionnellement réel tout en présentant quelque chose qui est en fait impossible.

Vous dites que les espaces urbains influencent beaucoup vos œuvres. Qu'est-ce qui vous a amené à vous intéresser à ces environnements artificiels ?

J'ai passé beaucoup de temps à peindre l'espace urbain, à trouver des détours, à prendre un environnement familier et à le peindre sous une nouvelle perspective. Aujourd'hui, je me concentre beaucoup moins sur l'espace urbain littéral en tant que sujet de peinture, bien qu'il y ait encore beaucoup à exploiter. Les jungles que je peins ne sont pas nécessairement des jungles... ce sont des simulations de jungles qui existent dans des biodômes, des zoos, etc. qui existent dans des villes, qui existent dans un tissu culturel plus large. Je traite l'espace urbain comme une scène, un modèle qui peut être désassemblé et réorganisé en peinture pour créer du sens. Il y a toujours une étape à l'intérieur d'une étape, la peinture elle-même étant peut-être l'étape finale. Rien de tout cela n'est réel.

J'ai vu qu'en dehors de Montréal, Berlin est l'autre ville où vous avez exposé à plusieurs reprises au cours de votre carrière. Comment s'est développée votre relation avec Berlin et son art ? Puisez-vous vos idées créatives dans des lieux particuliers ?

Après avoir obtenu ma maîtrise en beaux-arts, j'ai déménagé à Berlin, où j'ai vécu pendant cinq ans et demi. À l'époque, c'était l'une des rares villes artistiques d'envergure et abordables en Europe (ce n'est plus tout à fait le cas aujourd'hui). S'il est inévitable que Berlin m'ait influencé de multiples façons, il est curieux que je n'aie jamais peint un tableau ayant pour source quelque chose vu à Berlin. Je ne peux pas dire que l'endroit où je vis ne m'influence pas, mais il semble que ce soit l'activité qui se déroule dans les limites de l'atelier qui dicte l'orientation du travail.

Berlin est un endroit fascinant pour faire l'expérience de l'art, car il ressemble beaucoup au laboratoire ou au centre d'essai de l'usine. Vous y verrez beaucoup de choses qui ne sont pas très bonnes, mais aussi beaucoup d'œuvres étrangement incroyables. C'est là que les idées sont testées avant d'être diffusées dans le monde entier. Ce n'est pas un centre de marché de l'art, mais c'est un centre de création. Quoi qu'il en soit, j'ai beaucoup apprécié mon séjour à Berlin et j'y retournerai peut-être. La Galerie Kremers me représente, je maintiens donc une présence berlinoise sous une forme ou une autre.

Pouvez-vous nous parler un peu de votre processus créatif lorsque vous créez une nouvelle œuvre d'art ?

La genèse de tout est dans le dessin. Je commence rarement avec une idée en tête de la direction que prendront les choses. Je dessine des formes abstraites aléatoires, presque géométriques, jusqu'à ce qu'un assortiment de ces formes se connecte d'une manière qui suggère un élan vers l'avant. Je développe alors une composition à travers une séquence de dessins supplémentaires jusqu'à ce que je sente qu'une peinture peut en émerger. J'utilise généralement des morceaux de photographies et de vidéos, que je filme pour la plupart moi-même, comme points de référence pour remplacer certains éléments abstraits. Par conséquent, alors que certaines personnes pourraient regarder l'une des peintures et penser que je copie une photographie ou une vue de quelque chose, ce que je dépeins est en fait une scène impossible et les éléments photographiques/réalistes servent simplement d'alibis pour des pensées sur l'espace abstrait.

Comme on peut l'imaginer, le sens est quelque chose qui se précise également au fil du temps, au cours du processus. Le contenu suit la forme. Mon travail ne consiste pas à délivrer un message quelconque, mais à créer des possibilités chez le spectateur.

Qu'est-ce qui vous inspire actuellement en tant qu'artiste ?

Je commence tout juste un nouveau corpus d'œuvres qui ont des liens avec certains de mes travaux antérieurs, mais il s'agit en fait d'un pas vers un territoire relativement nouveau. Si j'ai mentionné plus haut mon intérêt pour le modernisme, j'éprouve depuis longtemps un enthousiasme indéfini pour l'art romantique ou baroque plus ancien (en particulier le baroque flamand). Les piles de corps, d'objets, d'animaux, etc., toujours en mouvement, dans une lutte éternelle... sont merveilleuses. J'ai également regardé en arrière, très loin en arrière - vers la sculpture en argile et en pierre (et j'en ai fait moi-même)... et vers l'avant, également, vers les technologies de l'intelligence artificielle. Une lutte entre le passé et l'avenir. Une proposition de permanence, de dégradation, d'espoir, de renouvellement et d'incertitude. Cette confrontation m'inspire dans mon travail actuel.

Avez-vous des conseils à donner aux artistes en herbe ou débutants ?

Si vous suivez vos centres d'intérêt, vous vous égarerez rarement. Vos intérêts vous guideront toujours vers un travail qui vous semblera passionnant et motivant. Au bout du compte, et surtout si vous continuez à travailler, vous vous rendrez compte que vous avez développé un langage qui vous est propre, votre propre cosmos visuel. Ne vous laissez pas non plus décourager par l'échec, car la plupart des artistes connaissent plus d'échecs que de succès. Cela dit, le jeu en vaut la chandelle pour que vous puissiez passer votre vie à vous occuper de ce qui vous intéresse. Continuez à faire de l'art.