expositions archivées /
archived exhibitions
La symphonie des couleurs: Nelly Hanna, Mona Khalil & Nicole Sarkis
Nelly Hanna & Mona Khalil
Couleurs en duo: France Desgroseilliers and Isabelle Heath
France Desgroseilliers et Isabelle Heath
TRANSMUÂMES: Marc Larouche
Dans l’exposition TRANSMUÂMES sont installées des œuvres qui s’entrecroisent pour créer un lieu habité de paysages qui nous interrogent, d’objets connus qui nous interpellent…
En mouvement dans mon atelier, l’autoassemblage s’organise spontanément. Ce lieu est pour moi un important moteur d’inspiration. En plus du matériel d’art, j’y entrepose tout ce que j’utilise pour mon métier de jardinier ou pour mon travail d’entretien d’immeuble. On y trouve aussi tout ce que je glane et collectionne.
Ainsi, tout ce qui est dans mon champ d’action peut se retrouver dans un maelstrom de création où les éléments retenus se transforment en une œuvre…une production tout en matérialité qui représente une part de moi ou de nous, un condensé. La bête a pondu!
Ma conscience environnementale crie contre la surconsommation et m’incite à utiliser des matériaux et des objets recyclés. Je crois fermement que nous devons modifier nos habitudes de vie pour nous rapprocher de l’essence, de la nature…
Nous sommes dans une ère de changement!
Vernissage, le jeudi 23 mars de 18h à 22h.
Evènement spéciaux:
Samedi le 1er Avril 2023 à 13 h. Performance musicale de clôture. Bienvenue aux enfants !
Horaire de la galerie
Vendredi 24 mars de 12 à 19 h
Samedi 25__________ 10 à 17h
Dimanche 26________ 10 à 17h
Lundi 27 ____________ 12 à 19h
Mardi 28 ____________ 12 à 19h
Mercredi 29 _________ 12 à 19 h
Jeudi 30 ____________ 12 à 19h
Vendredi 31__________ 12 à 19h
Samedi 1er Avril ______10 à 17h
Dimanche le 2 ________ 10 à 17h
Cellulaire 514 516 7530
la Galerie peut être ouverte plus tôt ou plus tard.
Coordonnées: mlarou@gmail.com
Marc Larouche
Rebirth - Anna Tychkova & Newsha Hamidi
Anna Tychkova
Newsha Hamidi
Rebirth is a painting exhibition of the recent works of Anna Tychkova and Newsha Hamidi. This body of work is inspired by nature’s renewal in the spring season. The palette and the theme of each painting portray this unique time of the year. In Persian culture, the arrival of spring has been celebrated for centuries. In Rebirth Newsha Hamidi presents for the first time her Persepolis collection, an ancient historical site in Iran, which has been one of the major places for this celebration.
Dates of the exhibition: March 14 - March 19, 2023
Date and time of Vernissage: Friday, March 17th, 13 - 20 pm
Days and Opening hours: Tuesday to Sunday 13 pm - 18 pm
tychkovaart@gmail.com
newsha8expo@gmail.com www.newshahamidi.com
Écriture - Luc Bergeron
english to follow
Ma recherche artistique se déploie souvent à partir de critères non picturaux, tout en demeurant dans le champ de la peinture. C’est une façon d’habiter l’espace et le temps en faisant dialoguer une multitude de techniques et de formes bi- et tridimensionnelles.
Il en résulte une tonalité esthétique devenant au final plus riche que les parties qui la composent. Cette tonalité fluide, je l’appellerais le système de l’atelier : une scène transposable et modulable.
En 2020, n’ayant pas de projet d’exposition, j’ai abordé ma recherche en atelier en vue de trouver une écriture picturale plus concise et réflexive, en opposition à un déploiement pluriel de techniques et de matières, afin de spatialiser ma peinture, l’un des objectifs de mes précédentes expositions (Table des matières, Espace et Domicile).
J’ai réduit à son plus simple l’emploi des matériaux, soit de l’huile sur toile et sur papier, afin de concentrer ma réflexion sur une proposition unique et ainsi demeurer au plus près du travail à faire.
Le corpus d’œuvres s’est réalisé de manière aléatoire et intuitive, par couches successives sur une trame de formes, de couleurs et de gestuelles ressurgies d’explorations antérieures, jusqu’à ce que chaque œuvre s’incarne dans une facture ouverte et individuelle, sans viser une tonalité esthétique d’ensemble.
Luc Bergeron Décembre 2022
My artistic research is often based on non-pictorial criteria, while remaining in the field of painting. It is a way of inhabiting space and time by bringing together a multitude of techniques and two- and three-dimensional forms.
The result is an aesthetic tonality that ultimately becomes richer than its components. I would call this fluid tonality the workshop system: a transposable and modular stage.
In 2020, having no exhibition project, I approached my research in the studio with the intention of finding a more concise and reflective pictorial writing as opposed to a deployment of various techniques and materials, in order to spatialize my painting, one of the objectives of my previous exhibitions (Table des matières, Espace and Domicile).
The materials have been reduced to their simplest, i.e. oil on canvas and on paper, so as to focus my thinking on a single proposal and thus remain as close as possible to the work to be done.
The body of work was produced in a random and intuitive way, adding successive layers on a ground of shapes, colours and gestures resurfacing from previous explorations, until each work was embodied in an open and individual shape, without aiming for an overall aesthetic tonality.
Luc Bergeron Décembre 2022
INTERCONNEXION
InterconneXion: Déclaration d'exposition
InterconneXion est une collaboration impliquant sept graveurs et un vidéaste. Le projet a commencé par le concept selon lequel l'art cherche toujours une interconnexion, en commençant par une union entre le concept et l'artiste, en faisant référence au spirituel et au corporel, aux points communs et aux différences, en cherchant toujours une relation entre l'art, l'artiste, l'environnement, la communauté et finalement le spectateur. Les artistes se sont mis au défi de créer une série de grands blocs de gravure sur bois. Travaillant au-delà des limites de l'atelier, l'impression a été réalisée à l'aide d'un rouleau compresseur de 5 tonnes comme presse à imprimer. Le processus d'encrage et d'impression, réalisé en plein air, a suscité la participation du public. Dans une région où les infrastructures et le développement socio-économique sont faibles, les artistes ont fait participer leur communauté à une expérience d'apprentissage unique et amusante qui leur a permis d'interagir avec leur public.
Les œuvres d'art finies ont été exposées à cinq reprises dans toute la région de l'Outaouais et de la vallée de l'Outaouais ainsi qu'à Montréal. Les blocs d'impression et une vidéo montrant le projet de sa conception à sa réalisation accompagnent l'exposition.
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Les graveurs
Valerie Bridgeman
Susan Cartwright
Laurence Finet
Louise Guay
Robert Hinchley
Tina Petrovicz
Dale Shutt
Le vidéographe
Glen Hartle
InterconneXion : Exhibition Statement
InterconneXion is a collaboration involving seven printmakers and one videographer. The project began with the concept that art always seeks an interconnection; starting with a union between the concept and the artist; referencing the spiritual and the corporeal; the commonality and the difference; always seeking a relationship between art, artist, environment, community and ultimately the viewer. The artists challenged themselves to create a series of large woodcut printing blocks. Working beyond the limits of the studio, the printing was done using a five ton steamroller as a printing press. The inking and printing process, done in an outdoor setting, invited the public to participate. In an area of low infrastructure and socio-economic development, the artists engaged their community in a unique and fun learning experience that allowed them an opportunity to interact with their audience.
The finished artworks have exhibited at five galleries in the Outaouais/Ottawa Valley region and in Montréal. Accompanying the exhibit are the actual printing blocks and a video showing the project from conception to completion.
Printmakers
Valerie Bridgeman
Susan Cartwright
Laurence Finet
Louise Guay
Robert Hinchley
Tina Petrovicz
Dale Shutt
Videographer
Glen Hartle
Laurence Finet
“All things are connected” and I drew inspiration from the connection human beings have with each other and with their environment. This interconnection materializes in the fluid –blood, water or sap- connecting humans to the land they are part of.
In my plates, bodies are intertwined. Their webs of veins connect through their feet, their roots, to the land, rivers and lakes around Shawville, a town between two provinces.
" Toutes choses sont connectées " et je me suis inspirée de la connexion que les êtres humains ont entre eux et avec leur environnement. Cette interconnexion se matérialise dans le fluide - sang, eau ou sève - qui relie les humains à la terre dont ils font partie.
Dans mes planches, les corps sont entrelacés. Leurs réseaux de veines sont reliés par leurs pieds, leurs racines, à la terre, aux rivières et aux lacs qui entourent Shawville, une ville entre deux provinces.
Louise Guay
Attirée par les formes, les lignes et les couleurs, je reproduis mes impressions sous forme abstraite. Pour le projet InterconneXion, c’est vers le plan spirituel que je me suis tournée, vers une forme d’expression génétique et cosmique, vers un lien imagé sur ce qui constitue les bases de l’être et de son existence.
J'aime la flexibilité et la variété de techniques que la gravure m'offre. Travailler sur grand format est un défi de taille mais l’impression à l’aide du rouleau compresseur est l’inconnu.
Attracted by shapes, lines and colours, I reproduce my impressions in abstract form. For the InterconneXion project, I was inspired by a spiritual aspect, a form of genetic and cosmic expression, an imaginary link to what constitutes the basis of being and existence.
I like the flexibility and variety of techniques that printmaking offers me. Working on large format is a great challenge, and printing with a steamroller is the unknown.
Dale Shutt
The InterconneXion project has offered me a unique opportunity to reflect on our place in the world. Both of my woodblock prints explore our place in nature and nature’s place in us, since in the end, we are all interconnected.
In “Family Tree,” ocean current lines become the tree trunk and the continents become the canopy of a single family tree.
In “Golden Ratio” nature uses the golden ratio often in her arrangement of leaves, seeds, sea shells and even in the proportions of animals and the human body, representing the oneness of us all and our environment.
Le projet InterconneXion m'a offert une occasion unique de réfléchir à notre place dans le monde. Mes deux gravures sur bois explorent notre place dans la nature et la place de la nature en nous, puisque, en fin de compte, nous sommes tous interconnectés.
Dans « Family Tree » les lignes de courant de l'océan deviennent le tronc de l'arbre et les continents la canopée d'un arbre familial unique.
Dans « Golden Ratio ». La nature utilise souvent le nombre d'or dans la disposition des feuilles, des graines, des coquillages et même dans les proportions des animaux et du corps humain, ce qui représente l'unité de nous tous et de notre environnement.
Susan Cartwright
I am an artist specializing in relief and intaglio printmaking, inspired mostly by nature and my home environment.
My woodcuts for this project focus on our connection with nature and the connections between generations in our communities.
Je suis une artiste spécialisée dans la gravure en relief et de taille douce, inspirée principalement par la nature et ma maison.
Les gravures sur bois que j'ai réalisées pour ce projet sont axées sur notre lien avec la nature et sur les liens entre les générations au sein de nos communautés.
Glen Hartle
A photographer for a lifetime, I now also bend my eye to video, trying to coax a story out of the energy. For InterconneXion, I aim to offer a lens on both the artists and their craft, while constructing a worthy representation of the journey and the art.
Photographe depuis toujours, je m'intéresse maintenant aussi à la vidéo, essayant de tirer une histoire de l'énergie. Pour InterconneXion, j'ai l'intention d'offrir un objectif à la fois sur les artistes et leur métier, tout en construisant une représentation digne du voyage et de l'art.
Tina Petrovicz
My artistic practice now focuses on printmaking. The long history of farming in the Pontiac resonated with me as someone who has family ties to farming out west. I love the signs that announce that a farm has been in a family since the 1800`s that are seen throughout the Pontiac region. My woodblocks for InterconneXion reflect on farming in the Pontiac; its deep rich interconnection to the land and the community that spans generations.
. Ma pratique artistique se concentre maintenant sur la gravure. La longue histoire d'agriculture dans le Pontiac a résonné en moi comme une personne ayant des liens familiaux avec l'agriculture dans l'Ouest. J'aime les pancartes qui annoncent qu'une ferme est dans une famille depuis les années 1800 que l'on voit dans la région du Pontiac. Mes gravures sur bois pour InterconneXion reflètent l'agriculture dans le Pontiac, sa profonde et riche interconnexion avec le terrain et la communauté qui s'étend sur plusieurs générations.
Robert Hinchley
I am an artist and educator. Since graduating from the Ontario College of Art and Design with honours, my art has been inspired by the rural and historical regions of Eastern Ontario & West Quebec.
“After Rory MacDonald had his eyes gouged out in the glorious 12 of July battle at the Burnstown Inn he played in the lumber camps for money and he became the best cattle-buyer in the country because he could FEEL a good cow”.
Je suis un artiste et éducateur. Depuis l'obtention de mon diplôme avec mention de l'École d'art et de design de l'Ontario, mon art s'inspire des régions rurales et historiques de l'est de l'Ontario et de l'ouest du Québec.
"Après que Rory MacDonald se soit fait arracher les yeux lors de la glorieuse bataille du 12 juillet au Burnstown Inn, il a joué dans les camps de bûcherons pour de l'argent et il est devenu le meilleur acheteur de bétail du pays parce qu'il pouvait SENTIR une bonne vache".
Valerie Bridgeman
I have been making art for most of my life, from hand built functional and sculptural clay work to handmade paper, bookbinding, and finally, printmaking. Printmaking offers many options for producing a plate from which to print. Over the years, my preferred medium has been relief printing, such as linocut or woodcut.
The theme of interconnection in my community shows the relationships between the children in the 4H club, the caring for their animals, the farms they live on, the food produced, and the community that enjoys that environment and the results of that process.
J’ai fait de l’art pendant la plus grande partie de ma vie, du travail d’argile fonctionnel et sculptural fait à la main au papier fait à la main, à la reliure de livres, et enfin à la gravure. La gravure offre de nombreuses possibilités pour produire une plaque à partir de laquelle on peut imprimer. Au fil des ans, mon médium préféré a été l’impression en relief, comme la linogravure ou la gravure sur bois.
Le thème de l’interconneXion dans ma communauté peut être vu à travers les relations entre les enfants du club 4H, les soins apportés à leurs animaux, les fermes dans lesquelles ils vivent, la nourriture qui est produite, et la communauté qui apprécie cet environnement et les résultats de ce processus.
ORIGINE - Encres Botaniques
Marie-Christine Nadeau
Marie-Christine Nadeau
En 2018, l’art botanique a fait son entrée dans ma vie. J’ai débuté par l’empreinte végétale sur tissu et cela a abouti à mon exposition Racines en 2020. Suite à cette recherche, le monde des encres botaniques sur papier a su me fasciner et m’émouvoir. Donc 2 ans à me promener, à cueillir, à faire bouillir, à embouteiller, à tester, à réfrigérer, à découvrir par des insuccès et des réussites, à m’émerveiller... J’ai même dû acheter un mini frigo ! Je ne me promène plus de la même façon, je garde les yeux ouverts, j’observe et j’identifie chaque végétal pouvant devenir une encre.
Récolter des noix de chêne, de noisettes, de la verge d’or, des champignons, du sumac, des cerises sauvages, etc.; en cuisine, ramasser les pelures d’oignon, les noyaux d’avocats; me servir de la chimie pour les oxydations et les transformations, comme le cuivre dans le vinaigre qui donne ce merveilleux turquoise. Fabriquer son médium de création avec la botanique relève du « slow art », de L’ORIGINE des choses, de l’alchimie, du spirituel, de l’art ancré dans son territoire et de la réflexion.
La beauté de la botanique m’a inspiré l’essentiel du geste... Si peu à y ajouter pour obtenir l’œuvre, l’art... un coup de pinceau, un rond d’encre et un geste noir. Cette simplicité volontaire a inondé mon être et envahi mes émotions, pures... je crois... pour une fois... pureté de la nature, de l’essence, du médium naturel... respect. Petit à petit, ce dépouillement est devenu mon travail et mon exposition que je vous présente ce soir.
Les temps changeront, m’amèneront bientôt vers une retraite de mon travail à temps plein... vers un déménagement et une vie à l’image de cette ORIGINE... «slow art» «slow life»... encore plus imprégnée de ce que la nature a à m’offrir, enfin ma vraie vie d’artiste parmi les artistes.
Et si le geste de l’art n’était que les limites que l’on s’impose
et que l’on tente de dépasser, comme sauter sa propre clôture. Marc Séguin
In 2018 I began making botanical art, creating vegetable dye prints on cloth; this lead to my Racines exhibition in 2020. Following those initial experiments I became increasingly fascinated and moved by the world of botanical inks on paper, leading to another two years of walking, gathering plants, boiling them, bottling them, testing, refrigerating, developing techniques through failures and successes, marveling all the while at the possibilities… I even had to buy
a mini fridge! These days, I no longer walk the way I used to—now I keep my eyes open, observing and identifying each plant I come across that might become an ink on my paper.
On my walks I gather acorns, hazelnuts, honeylocust pods, mushrooms, sumac, wild cherries, etc. In the kitchen I save onion skins and avocado pits, and use chemistry to oxidize and transform my materials—such as soaking copper in vinegar, which gives a magnificent turquoise colour. Making one’s own creative medium with botanicals involves elements of “slow art”, of the ORIGIN of things, of alchemy, of the spiritual, of art anchored in its territory, and of careful consideration.
The beauty of botanicals inspired me to focus on only the essential gestures. So little needs to be added to turn it into a work, a piece of art: a brushstroke here, a swirl of ink there, a dark mark to set it off… This deliberate simplicity took over my entire being and influenced my emotions, making them, I believe, pure for once… The purity of nature, of essence, of the natural medium itself... respect. Little by little, this examination became my work and the exhibition I present to you tonight.
Times will change, will soon bring me to a retirement from my full-time job... to a move and a life in the image of this ORIGIN... "slow art" "slow life"... even more impregnated of what nature has to offer me, finally my true life as an artist among artists.
What if the movements of art are merely limits we impose on ourselves
And that we strive to overcome, like jumping one’s own fence. Marc Séguin
Échos - Louise Breton
Notes biographiques Louise Breton
Je suis née à Montréal à la fin des années cinquante d’une mère infirmière et d’un père entrepreneur en construction et amateur d’art. Dès mon plus jeune âge, ce dernier, voyant mon intérêt pour le dessin, m’a toujours encouragée dans cette voie.
À l’adolescence, je visitais souvent mon ami François qui était féru d’art, et nous passions nos soirées à feuilleter des ouvrages de peintres célèbres, lui à peindre et moi à dessiner.
Comme je suis autodidacte, cette époque m’a éveillée à une expression graphique, intuitive et spontanée, que je privilégie encore aujourd’hui, entre autres, l’aquarelle et l’encre noire.
Après un long séjour en France et sur le continent africain, j’ai continué à produire de façon sporadique, jusqu’au début des années 2000, époque à laquelle j’ai rejoint un atelier d’aquarelle. J’ai exploré ce médium pendant quinze ans.
Ces dernières années, j’utilise aussi la peinture acrylique qui me permet d’aborder de grands formats. Je suis toujours en exploration.
J’habite Montréal.
Louise Breton
Août 2022
LHÉRITIER - Peintures / Paintings
BIO LHÉRITIER
Born in Paris, Régine Lhéritier studies drawing and theater in France. Upon arriving in Canada, she learns engraving and painting at the Sadie Bronfman Center under Yehouda Chaki.
She exhibits her work in Montreal from 1977, and in 1979 was selected to participate in the Quebec Biennale II.
In 1982 Lhéritier illustrates the eminent Quebec author Michel Tremblay's play Les Belles Sœurs, published by Art Global, with eight original lithographs.
Lhéritier’s work are in numerous private collections throughout Canada, the United States and Europe, as well as in the collections of Stouffer Inns of Rochester, New York, Crown Life Insurance, Imperial Oil, Téléglobe Canada and the Musée du Québec.
Née à Paris, Régine Lhéritier étudie le dessin et le théâtre en France. Arrivée au Canada, elle apprend la gravure et la peinture au Centre Sadie Bronfman auprès de Yehouda Chaki.
Elle expose à Montréal à partir de 1977, et en 1979 est sélectionnée pour participer à la Biennale de Québec II.
En 1982, Lhéritier illustre la pièce Les Belles Sœurs du dramaturge québécois Michel Tremblay, publié par Art Global, de huit lithographies originales.
Les œuvres de Lhéritier font partie de nombreuses collections privées à travers le Canada, les États-Unis et l’Europe, ainsi que dans les collections de Stouffer Inns of Rochester, New York, Crown Life Insurance, Imperial Oil, Téléglobe Canada et le Musée du Québec.
LHÉRITIER EXHIBITIONS / EXPOSITIONS
2022 Galerie ERGA, Montréal
2005 Odon Wagner Gallery, Toronto
2004 Galerie d'Avignon, Montréal
2001 Odon Wagner Gallery, Toronto
1997 Odon Wagner Gallery, Toronto
1996 Galerie Dorothée Chastel, Paris
1995 Espace Lhéritier, Perpignan
1994 La Villette, Paris
1992 Galerie Frederic Stern, Paris
1991 Balle Alfred Pellan, Maison des Arts de Laval
1990 Waddington & Gorce Inc. Gallery, Montreal
1989 Galerie Daniel, Montréal
1988 Dresdnere Gallery, Toronto
1987 Galerie Daniel, Montréal
1986 Dresdnere Gallery, Toronto
1985 Joyce Goldman Gallery, Montreal
1984 Dresdnere Gallery, Toronto
1983 Galerie Gilles Corbeil, Montréal
1982 Dresdnere Gallery, Toronto
1981 Galerie Gilles Corbeil, Montréal
1980 The Bronfman Center, Montreal
My Brush - Online Exhibition
Mah O Mahi Gallery
Curated by Zahra Kamaliaghdam
Mahomahi Gallery
www.mahomahigallery.com
IG @mahomahigallery
tel.; 009802632558841 / 00989124910960